Проблемы домашней студии звукозаписи. Эдуард Качанов

Мой канал в ютюбе - https://www.youtube.com/user/Eduard4687

Некоторые рассуждения по поводу проблемы качества фонограмм, создаваемых в домашней или малобюджетной студии звукозаписи, по сравнению с профессиональной студией.
Основаные на личном скромном опыте создания авторских фонограмм эти заметки, возможно, в чем-то помогут авторам совершенствоваться в своем хобби и улучшить качество создаваемых в домашних условиях фонограмм. Это актуально для тех, кто стремится создавать интересные в музыкальном плане фонограммы, что, к сожалению, сейчас не особенно востребовано слушателем...

К проблемам домашней студии звукозаписи

Доступность технических средств для работы со звуком - это и мощные компьютеры с периферийными устройствами, и программное обеспечение, создают иллюзию легкости процесса создания фонограмм. При этом, через непродолжительное время обнаруживается, что создать профессионально звучащую фонограмму удается далеко не всем. Фонограммы звучат «ватно», невыразительно, плотные аранжировки только ухудшают впечатление от звучания. Обычно в ход идет набор стандартных объяснений о невозможности конкурировать с профессиональными студиями, в которых работают дипломированные специалисты на дорогом оборудовании в виде внешних блоков, так называемого в среде музыкантов «железа».
Отчасти это верно, действительно, на профессиональных студиях работают опытные специалисты на дорогом оборудовании и лицензионных (а не на «ломаных») программных продуктах. Но только отчасти, потому что в конечном итоге квалификация и опыт – это задача каждого конкретного человека, для решения которой надо затратить много времени и труда.
Нельзя научиться не учась, а учеба – процесс трудоемкий, нервный и непредсказуемый в перспективе, так как если у человека нет музыкальных данных то результат будет грустный даже при наличии большой библиотеки программного обеспечения и мощном оборудовании. В конечном итоге на вершине процесса создания фонограммы находится человек с его музыкальным вкусом, навыками и знаниями.
Создать свою квалификацию и набраться опыта в деле звукозаписи – не нужны дипломы, но это не значит что не надо учиться. Далеко не все хорошие музыканты смогли освоить современную технологию звукозаписи, в этом деле есть своя специфика. «Технарям» проще, «гуманитариям» сложнее освоить техническую сторону процесса. Хотя и Александр Серов, и Давид Тухманов, и Александр Градский и многие другие звезды эстрады имеют свои студии звукозаписи и успешно решают свои задачи..
Мой коллега и земляк гитарист имеет свою студию звукозаписи в Майами (США). Купив программу для работы со звуком он год ходил на курсы по изучению программы.
Главное отличие профессиональной студии от домашней – это коллективный результат труда. Коллектив обычно состоит как минимум из трех человек: это продюсер, музыкант-аранжировщик и инженер (звукорежиссер или саунд-продюсер).
«Продюсирование» - понятие достаточно гибкое и в настоящее время оно имеет широкий смысл. Но все же, точнее говоря, продюсер отвечает за коммерческий аспект проекта, контролирует процесс записи и следит за бюджетом проекта, обеспечивает нормальную комуникабельность всех участников проекта, Ведь не секрет, что процесс работы в студии часто бывает довольно стрессовым. Поэтому создание доброжелательной атмосферы, в которой и музыкантам, и инженерам работа доставляет радость, имеет громадное значение для конечного результата. То есть, работа продюсера объединяет в себе бизнес и творчество, причем творчество как техническое, так и музыкальное. Хороший продюсер всегда должен объективно смотреть на работу и на этом основании принимать музыкальные решения.
Реализация музыкальной коцепции проекта лежит на музыканте-аранжировщике и сессионных музыкантах, записывающих свои инструментальные партии (разумеется, если в них согласно концепции есть потребность). Ведь многие партии могут быть записаны с клавиш музыкантом-аранжировщиком или скомпилированы.
Инженер (звукорежиссер или звукоинженер) – это специалист, отвечающий за создание звуковой концепции проекта, осуществляет звуковую реализацию, монтаж и сведение проекта.
Инженер по мастерингу (можно назвать его саунд-продюсер) – специалист осуществляющий финишную обработку проекта. Иногда это отдельная задача, которая решается на мастеринговых студиях.
Мастеринг представляет собой последний этап при создании музыкального проекта. Он представляет собой процесс улучшения качества звука (по возможности) музыкального произведения при помощи таких инструментов, как эквалайзер, компрессор и ограничитель как отдельно каждого произведения, так и в альбоме произведений. Кроме того, при помощи мастеринга, музыкальное произведение проходит подготовку к тиражированию или надлежащей обстановке (требования к звуку для концерта, на радио и в ресторан – разные). После мастеринга, музыкальная композиция уже готова для представления общественности.
На домашней студии (или малобюджетной частной) продюсер, инженер и музыкант, как правило, - это одно лицо, назовем его автором. Это имеет как свои плюсы, так и минусы. Преимущество в этом случае в том, что продюсеру не приходится долго втолковывать аранжировщику и инженеру, что именно он хочет услышать, конечный результат является плодом творческого труда одного человека. Недостаток – нередко бывает трудно оставаться объективным и принимать верные или оптимальные решения, когда постоянно думаешь о технической стороне записи. Что значительно усложняет и удлиняет процесс создания фонограммы.
Если же это лицо еще и автор, и исполнитель, то проблема намного усложняется.
Итак, первая проблема домашней студии – это ограниченность интеллектуального потенциала, когда весь процесс замкнут на одного человека, автора фонограмы.
По видимому, когда звукорежиссер «и творец, и на дуде игрец», надо выработать свой алгоритм работы над фонограммой. Технологии студийной работы могут быть самыми разными, это зависит от жанра музыки, типа студии, бюджета, но результатом в любом случае будет стереофоническая фонограмма на каком-то из носителей. У каждого человека может быть своя технология, но в принципе, основываясь на собственном опыте и опыте коллег, можно дать следующие рекомендации.
Можно разделить процесс создания фонограммы на три этапа: создание музыкальной концепции будущей фонограммы (продюсирование), собственно процесс создания аранжировки (музыкальная часть) и создание звуковой концепции. Лично у меня эти этапы распределяются следующим образом: создание концепции, то есть поиск стилистического изложения, – 1- 2 недели, создание миди-аранжировки – 2-3 недели, создание звуковой концепции – 1-2 недели. Приблизительно так, хотя были фонограммы записанные за 2 недели и за два-три вечера, получалось, что все было ясно с самого начала.
При создании музыкальной концепции будущей фонограммы и поиске стилистического и композиционного решения не следует торопиться. Часто уже выбранное вчера музыкальное решение оказывается негодящим сегодня, на «свежие уши».
Когда же решение принято начинается этап создания аранжировки. Поле для творчества здесь достаточно большое и по времени и трудоемкости намного превышает, например, процесс написания песни или инструментальной темы. Готовых рецептов здесь нет, но изучение литературы по аранжировке и особенно готовых удачных профессиональных аранжировок позволит избежать некоторых ошибок.
В общих чертах аранжировка не должна мешать солисту, следует по возможности избегать однообразия и унылых, повторяющихся фрагментов, она должна быть органична главной теме или тексту и ее подчеркивать. Как в профессиональной студии, так и в домашней процесс аранжировки сугубо творческий и конечный результат зависит от музыкального вкуса и фантазии аранжировщика.
Следующий этап – это создание звуковой концепции проекта. То есть процесс озвучивания созданной миди-аранжировки или озвучивание созданной партитуры сессионными музыкантами.
Это – вторая проблема домашней студии. Ограниченность бюджета не позволяет привлечь квалифицированных музыкантов, а невысокое качество недорогих микрофонов, звуковых модулей, синтезаторов и сэмплов, в том числе VSTi , создают проблему качественного озвучивания проекта. Например, записать вокал в студии несложно, но надо правильно выбрать микрофон, а для этого надо иметь возможность выбора.
Очень важно найти такую комбинацию тембров, которая не только хорошо звучит, но и оставляет место для других звуков, которые вы собираетесь использовать. Это не всегда так просто, как кажется на первый взгляд, потому что большинство синтезаторов и VSTi содержат пресеты (фабричные наборы эффектов), которые были специально разработаны для того, чтобы произвести впечатление на покупателя и в миксе могут совершенно не звучать. Я с этим сталкивался неоднократно, особенно с VSTi. Оптимальное решение находится только методом проб многократно прослушивая создаваемый проект. Качество всего микса состоит в том, чтобы слушатель легко мог слышать любой инструмент, а не в том, чтобы слушателя подавляла плотная стена звука, не оставляющая места солисту. Так что на этом этапе аранжировка неизбежно претерпевает некоторые изменения.
Важным моментом озвучивания является панорамирование звуков. Синтетические звуки можно панорамировать в любое место. Ведь панорамирование – это не истинное стерео. Часто говорят, что поп-записи панорамированы моно, а не стерео, однако именно на панорамировании держится современная поп-индустрия. Малобюджетной студии часто недоступны настоящие стерео-голоса. Удачное панорамирование придаст глубину и пространственную градацию вашему проекту. Причем некоторые инструменты могут звучать не просто левее или правее, но глубже и вдаль. Чтобы имитировать это в студийных условиях, можно использовать следующий прием: панорамируйте звук ближе к центру, уменьшите высокие частоты и добавьте реверберацию или задержку, после чего уменьшите уровень сигнала относительно других инструментов.
Человеческий мозг определяет направление источника звука путем сравнения его относительной громкости в каждом ухе и сравнивая фазу сигнала. Если задержанный и незадержанный сигналы панорамировать налево и направо с одинаковым уровнем громкости, то возникает впечатление, что сигнал приходит из того громкоговорителя, куда подается незадержанный сигнал. Это называется эффектом Хааса, или эффектом предшествования.
В студийных условиях впечатление стереоперспективы можно создать путем панорамирования положения источников моносигнала в стереопанораме. Изменяя баланс между сигналами, приходящими из левого и правого громкоговорителей, кажущийся источник сигнала можно поместить в любую точку между громкоговорителями.
В реальной звуковой среде сигнал смешивается со своим отражением, и даже если эти отражения слишком короткие, они помогают составить впечатление о положении источника звука.
Применение ревербератора позволяет создать эффект стерео из моно-источника, так как он имитирует естественный способ отражения сигнала в реальном помещении. Даже короткая реверберация, которая настолко мала, что на слух почти не заметна, помогает создать иллюзию реального звука в реальном пространстве. Это особенно важно для синтезированных и сэмплированных звуков, в спектре которых нет естественного реверберационного окружения. Другое дело, что ревербератор должен быть качественный, иначе реверберационные „хвосты” получаются „мутными”.
Кроме того, для обеспечения качественного звучания микса необходимо в процессе его создания свести к минимуму количество преобразований „аналог-цифра-аналог”,
Вообще, эксперименты с панорамированием, дубль-трэками, задержками и реверберацией (например, в одну сторону сухой звук, в другую – с ревером или задержкой) позволяют обогатить звучание моно-голосов и создать эффект псевдостерео. В этом деле есть поле для экспериментов.
Следующий этап – это сведение и мастеринг созданного проекта.
Этот этап – третья проблема домашней малобюджетной студии. Помещение домашней студии малопригодно для высококачественного мониторинга. Для обеспечения высококачественного прослушивания на акустике класса Hi-Fi площадь помещения должна быть не менее 20 кв.м. А прослушивать надо как на полочной акустике, так и на высококачественной напольной акустике.
Сведение обычно начинают с ритм-группы: барабаны, бас и последовательно по голосам к солисту, формируется звуковой баланс, при этом особое внимание уделяется басовой части. После включения солиста мешающие солисту треки или вырезаются фрагментарно или удаяются. Ощущение прозрачности фонограммы, как правило, только ее улучшит. Главное в этом деле – научиться слушать, а это определяется уровнем музыкальной культуры и, со временем, личным опытом
Для того, чтобы убедиться что баланс микса звучит хорошо в разных условиях, сведенный проект записанный на диск в аудио формате прослушивают в разных местах на малогабаритной магнитоле, автомобильной аудиотехнике и на нескольких типах напольной акустики. В том числе микс проверяется при помощи хорошей пары наушников, в которых можно услышать искажения и шумы, которые могут быть не слышны в мониторных студийных громкоговорителях. Возможно, при приобретении определенных навыков можно научиться сводить в наушниках, но лично я не сторонник этого метода.
Сведение обычно прослушивают на той громкости, на которой предположительно эта музыка будет звучать (дома, на концерте, в ресторане). После чего один-два раза прослушивается микс на большой громкости и на очень малой, чтобы убедиться, что явных ошибок в миксе нет. Постоянное прослушивание на большой громкости приводит не только к тому, что уши вынуждены временно менять слуховые характеристики (АЧХ), но и длительное прослушивание на большой громкости может привести к профессиональному заболеванию. слухового аппарата.
Кроме того, поскольку весь процесс замкнут на одного человека, то к началу этого этапа автор уже устал, неспособен объективно оценить звуковую картину. Поэтому, когда микс готов, не начинайте мастеринг сразу, сделайте перерыв хотя бы в 2-3 дня, послушайте ряд записей в том же стиле что и ваш проект. Это поможет восстановить чувство перспективы, даст вашим ушам возможность заново адаптироваться к реальности.
Для мастеринга существует широкий выбор плагинов VST: ограничители "кирпичная стена", однополосные компрессоры, многополосные компрессоры, эквалайзеры, стереоусилители и т.д., а также присутствует набор предустановок для возможности начала работы.
Следует заметить, что на самом деле не существует "решения одной кнопки" или "универсальной настройки" – быстрого средства для выполнения мастеринга. Каждый микс уникален и поэтому следует выбирать и настраивать инструменты для мастеринга согласно ситуации – все зависит от имеющегося аудиоматериала и целей мастеринга. Это служит основанием для выбора необходимых инструментов и настроек. Иногда, может потребоваться воспользоваться ограничителем в основном канале для выполнения необходимых задач и хорошо, если с его помощью можно добиться хорошего звучания. Для этого вам необходимо научиться пользоваться слухом, что является непростой задачей. В конечном итоге от качества мастеринга зависит качество и эффектность звучания фонограммы.
Вопросы уровня компрессии, эквализации, работы со стереобазой и пр. – дело вкуса и квалификации каждого автора. Результат определяется на слух. И не ленитесь переделать работу, если обнаружатся недостатки микса в процессе сведения и мастеринга.
Важно не допустить перекомпрессии, ведь музыка во многом зависит от динамики, так как динамика позволяет передать эмоциональное содержание, особенно в классике и лирике. В тоже время компрессия микса позволяет увеличить средний уровень громкости фонограммы, происходит некоторая „накачка”, которая создает впечатление энергии и возбуждения. При увеличении среднего уровня громкости фонограмма звучит громче, хотя пики остаются теми же, что и были (сужается динамический диапазон фонограммы).
Достаточно мощные современные компьютеры позволяют использовать достаточно высокакачественные программные средства профессионального уровня для мастеринга. Например, T-RackS, это реал-таймовый мульти-процессор, состоящий из 4 модулей частотной и динамической обработки звука, которые могут быть использованы как в составе единого модуля для финального мастеринга, так и каждый индивидуально для обработки отдельных инструментов и треков (6-полосный параметрический Эквалайзер, классический Ламповый Компрессор, многополосный Ограничитель и мастеринговый Клипер). T-RackS с помощью уникальных, в своем роде, алгоритмов, программно имитирует звучание аналоговых ламповых приборов частотной и динамической обработки звука и является на сегодняшний день одним из самых серьезных профессиональных мастеринговых плагинов.
И помните, вмешательство в звук на этапе мастеринга, как правило, происходит, но оно вовсе необязательно, решение о таком вмешательстве принимается автором (продюсером) проекта по результатам прослушивания.
Кроме того, при подготовке фонограмм к тиражу на диск есть особый ряд требований (например, по стандарту RED BOOK), которые также решаются на этапе мастеринга , но в домашних студиях этим занимаются редко.
Каждый мастер когда-то был любителем. Все начинали с малого, не пренебрегайте малым. Если вы последовательны и терпеливы, вы добьетесь успеха!


Эдуард Качанов
edkv46@mail.ru
http://www.neizvestniy-geniy.ru/users/27439/works/